Entre deux mondes : La quête artistique de Sahata, entre identité et spiritualité

Née à Gand d’une mère ivoirienne et d’un père flamand, l’œuvre de Sahata reflète son riche héritage métissé. Dans ses peintures, qui, comme elle le dit elle-même, s’inscrivent par hasard dans la vision des Transcendental Painters, elle explore des thèmes comme la lumière, la nature et la féminité. Son art est une quête personnelle de profondeur, de liberté et de connexion entre tradition et expression individuelle.

Je suis née à Gand, et je vis à De Pinte. Ma mère est née et a grandi en Côte d’Ivoire, et mon père vient de Flandre-Occidentale. Enfant, je n’étais pas consciente de mes origines métissées, jusqu’à ce que d’autres enfants me le fassent remarquer. Le sentiment d’être différente était parfois difficile. Aujourd’hui, je vois mon héritage comme un enrichissement culturel qui n’apporte que des aspects positifs dans ma vie.

Chez moi, trônaient diverses œuvres d’art que ma mère avait rapportées de son village : des masques, des peintures, des batiks et des sculptures sur bois. Mon père possédait également une belle collection de peintures abstraites et surréalistes ainsi que des œuvres sur papier. Bien que mes peintures ne s’inspirent pas directement de l’art ivoirien ou africain, leur esprit est profondément tissé dans mon travail, mêlé aux influences abstraites du côté de mon père. J’ai toujours observé ces deux collections en grandissant, fascinée par leurs compositions, leurs couleurs et leurs figures suggestives.

Votre approche du paysage comme une question d’intériorité est frappante. Dans De Verre Horizon (un tableau représentant une pièce avec ce qui semble être des fresques, des miroirs ou des portails, ou peut-être les trois), vous évoquez directement l’effacement de la distance comme une question d’imagination, en écrivant : « Il y a toujours un chemin pour aller plus loin. »

Les visualisations de portails m’ont toujours fascinée, ainsi que l’iconographie de l’espace et des êtres spirituels. Ce qui m’intrigue le plus, c’est le mystère de l’inconnu. Lorsque je traduis cette inspiration en art, elle se manifeste sous la forme d’une double entrée, sortie ou passage. Je me pose la question : « Comment puis-je faire voyager le regard plus loin et donner de la profondeur à cette surface plate ? »

Comme un portail, je veux que mes compositions transcendent ce qu’une surface bidimensionnelle permet normalement. J’utilise souvent des cadres et des couleurs pour y parvenir. Cet aspect de mon travail est encore en développement, mais il émerge peu à peu. On peut le voir dans De Verre Horizon, ainsi que dans A Forming Memory et Verheven.

De Verre Horizon a été créé pendant une période de transition à la fois émotionnelle et générale dans ma vie. Plusieurs chemins s’offraient à moi et il était difficile de choisir la bonne direction. Les différents portails servent de rappel qu’il y a toujours un moyen d’avancer. Il suffit de trouver le bon. Et si celui-ci ne correspond pas à nos attentes, il en reste beaucoup d’autres à explorer. Au final, on atteint l’horizon lointain : un endroit paisible et beau où l’on se sent chez soi.

Pouvez-vous développer la relation entre l’image et l’imagination dans votre travail ?

La plupart de mes œuvres naissent de l’imagination. Même lorsqu’elles s’inspirent de la réalité, je les réduis à des formes, des couleurs ou des suggestions de cette réalité. Je trouve cela plus intéressant lorsqu’une peinture exige d’être observée avant d’être comprise — ce moment « Ah ! Donc c’est ça ! » est ce que j’aime dans l’art moderne. C’est aussi stimulant d’entendre des interprétations de mes œuvres auxquelles je n’aurais jamais pensé moi-même.

Mes peintures commencent souvent par des croquis, rarement faits avec un plan. Je commence par quelques lignes, une forme ou une couleur, et je laisse l’image émerger spontanément — généralement des formes organiques ou des interprétations vagues de mes rêves. Elles sont très spontanées, et j’essaie de capturer ce même sentiment dans mes peintures. Comme l’a dit Frank Zappa : « Les notes de guitare imaginaires et les voix imaginaires n’existent que dans l’imagination de l’imaginateur » (dans la chanson Watermelon on Easter Hay). D’une certaine manière, on peut voir les couleurs d’une peinture comme des notes de guitare et les coups de pinceau comme des voix, peints par l’imagination. C’est ainsi que je transporte mon monde intérieur sur la toile. On pourrait dire que la réalité est ce qui est perceptible, et qu’en peignant ma réalité intérieure, je la manifeste — ce qui donne au résultat final une dimension spirituelle.

Vos œuvres Happy Birthday et There She Comes, The Comet personnifient les corps célestes comme féminins. Comment cela s’intègre-t-il dans votre cosmologie en tant qu’artiste ?

Nous disons mère terre, mère nature ; nous percevons la lune comme féminine et le cycle de la vie trouve son origine dans le ventre des femmes enceintes. C’est pourquoi je vois ces aspects de notre monde et de notre cosmos comme indissociablement liés au féminin. Je célèbre les femmes sous toutes leurs formes de féminité. Dans mes peintures, je les représente dans la nature, dans leur essence — comme les formes féminines dans Happy Birthday ou les fesses dans Cheeky Valley et Cheeky Desert Sun, qui représentent un paysage. Elles fonctionnent comme des portails attirant le spectateur dans la vitalité du féminin.

Je suis fascinée par l’espace. Avant d’étudier l’art et l’archéologie, j’ai envisagé l’astrophysique. Les étoiles, les comètes, les soleils et même les trous noirs sont si beaux. On pourrait les voir comme faisant partie du divin féminin. Une réponse plus simple est que, en tant que femme, j’ai tendance à peindre depuis mon propre point de vue et à me refléter dans mon travail, ce qui explique pourquoi mes œuvres ont souvent une qualité féminine.

En pensant à She, the Comet, quel rôle joue la luminosité dans votre pratique ?

La lumière et la luminosité sont des éléments essentiels de mon travail. Dans la vie quotidienne, je suis souvent fascinée par les ombres, les reflets du soleil ou les jeux de lumière intéressants. Je cherche toujours un moyen d’éclairer mes peintures — elles ne me semblent pas complètes sans une source de lumière. J’ai besoin que mes œuvres soient chaudes et rayonnantes.

Qu’est-ce qui détermine la relation entre les figures et le paysage dans votre travail ?

Je me sens chez moi lorsque je suis entourée de nature, entière et vivante. En Belgique, surtout en Flandre, ce n’est pas toujours disponible. Je crée ce dont j’ai envie, c’est pourquoi la nature occupe une place centrale dans mon langage visuel. Combiner des figures et des formes imaginaires avec des paysages et de la lumière rend le tout bien plus captivant. Il y a d’innombrables possibilités d'explorer les paysages avec des formes organiques et j’aimerais en découvrir autant que possible.

Dans I Can’t Contain Myself, la forme centrale, qui semble vouloir échapper à sa composition limitante, semble reprendre le rôle des figures plus reconnaissables de vos œuvres comme The Way of Light et Souls Colliding.

Ces deux œuvres n’ont pas nécessairement de lien direct avec I Can’t Contain Myself. J’ai souvent dessiné ces figures stylisées, qui me représentent moi-même et les personnes qui m’entourent. Seules quelques-unes de ces esquisses ont abouti sur la toile. Elles dépeignent des moments ou des événements récents de ma vie, surtout de début 2025. En revanche, I Can’t Contain Myself exprime un sentiment toujours présent en moi, comme une présence latente. C’est plus un état d’esprit qu’un événement, contrairement aux deux autres œuvres.

Pouvez-vous en dire plus sur cette œuvre ? Précède-t-elle chronologiquement la paire plus figurative ?

Dans mes premières œuvres, je dessinais ou peignais souvent des formes encadrées. Peut-être était-ce inconsciemment une manière de m’adapter à un certain récit. Avec le temps, j’ai réalisé que je ne pouvais pas me contenir — littéralement. Un cadre ne peut pas retenir une composition, tout comme il ne peut pas retenir une personne. C’est pourquoi il y a cette forme dynamique brisant une barrière, symbole de libération et de recherche de soi au-delà des limites imposées. C’était ma première peinture de 2026. Comme je l’ai dit auparavant, mes peintures servent de forme de manifestation. Ici, c’est une tentative de ne plus être contenue. Nouvelle année, nouvelle moi ?

Vous fabriquez également des bijoux et écrivez. Pouvez-vous parler de la manière dont ces pratiques influencent vos peintures, ou vice versa ?

Je ne dirais pas que les bijoux ont un impact direct sur mon art ou mon écriture. C’est quelque chose que j’aime faire — cela me calme lorsque je suis en mode créatif. Par exemple, je fabrique mes propres bayas (perles de taille), qui ont une signification spirituelle que l’on retrouve aussi dans mon art, mais sous un angle différent.

L’écriture est une autre histoire. Enfant, je créais beaucoup de bandes dessinées, qui ont progressivement évolué vers des récits plus textuels. Je travaille actuellement sur un livre que je prévois d’illustrer, donc il y a une symbiose entre mon art et mon écriture. J’apprécie aussi la poésie comme exutoire. Parfois, mes poèmes m’inspirent des visuels, ou vice versa. Pour l’instant, les arts visuels restent ma pratique principale — celle avec laquelle je me sens le plus à l’aise pour partager mon travail avec le monde.

Vous étudiez actuellement à la Vrije Universiteit Brussel en histoire de l’art et archéologie. Quels sont vos domaines d’intérêt/spécialisation ?

Oui, je termine actuellement mon master en histoire de l’art et archéologie — presque terminé ! Mon intérêt se porte surtout sur l’art moderne et contemporain non-occidental (du XIXe au XXe siècle jusqu’à aujourd’hui). La transition de l’art historique à l’art moderne me fascine. Les artistes se sont libérés des traditions conventionnelles, incorporant des expériences personnelles et des compositions abstraites, tout en tournant le dos au réalisme académique. L’individualité dans l’art est née à cette période, mais c’était aussi un phénomène collectif — un esprit connecté. Cette dualité m’intrigue, surtout dans l’art non-occidental, où des couches riches d’histoire décoloniale et culturelle contribuent à la compréhension des pratiques artistiques de cette époque.

Vous avez mentionné des artistes sous-représentés, non-occidentaux. Sur qui devrions-nous nous concentrer, historiquement et aujourd’hui ?

Ces trois dernières années, je me suis penchée sur les mouvements, artistes et formes d’art asiatiques et africains en lien avec le décolonialisme et la réappropriation de l’identité par l’art et la matérialité.

Mon mémoire actuel porte sur le mouvement Vohou-Vohou en Côte d’Ivoire — une mouvance des années 1970, post-indépendance, animée par le besoin de forger une nouvelle identité ivoirienne. Les artistes y réévaluent des matériaux locaux (coquillages, pigments, bois, cuir) dans des collages abstraits ou des peintures figuratives. Parmi ses pionniers, on trouve Theodore Koudougnon (1951), connu pour ses collages, et Youssouf Bath (1949), qui représente des sujets traditionnels avec des pigments et des formes abstraites. Ce mouvement inspire encore les artistes africains contemporains.

Un autre médium intéressant est la peinture laquée vietnamienne Sơn Mài, une forme d’art historique qui, sous la colonisation française, est passée des arts appliqués à la peinture. Après l’indépendance, elle a été réappropriée par les artistes vietnamiens comme un trésor national et a évolué vers une diversité matérielle encore utilisée aujourd’hui. Un artiste vietnamien contemporain que j’admire est Trương Tân (1963) — un artiste multidisciplinaire qui intègre son identité queer et ses expériences dans son travail. Phi Phi Oanh (1979) dissout la matérialité de la laque en projections microscopiques.

Ces exemples valent vraiment la peine d’être explorés. Malheureusement, ils sont difficiles à trouver en ligne ou dans les bibliothèques sans une recherche approfondie. Cela montre qu’il reste encore un long chemin à parcourir en matière de documentation et de recherche dans le domaine de l’histoire de l’art non-occidental.

Vous n’avez pas suivi de formation artistique. Comment avez-vous commencé à peindre ? Comment vous voyez-vous évoluer en tant qu’artiste ? Comment vos études s’intègrent-elles dans ce processus ?

Enfant, je dessinais, gribouillais et créais sans cesse de petites choses — plus pour passer le temps que comme un hobby. À 12 ans, mes parents m’ont inscrite à l’école d’art Kade à Deinze. Ce que j’aimais à Kade, c’est qu’ils ne donnaient pas de devoirs. C’était un espace d’expression créative pure. J’y suis allée jusqu’à ma dernière année de secondaire mais en dehors de Kade, je pratiquais rarement l’art, à part quelques dessins de temps en temps.

Pendant le COVID, j’ai commencé à prendre l’art plus au sérieux et j’ai essayé de peindre. Oersprong était ma première « vraie » peinture. Depuis, j’ai commencé à peindre régulièrement à l’huile en apprenant progressivement à maîtriser cette technique. En comparant Oersprong à mes œuvres les plus récentes, la différence de technique, de qualité de la peinture et de finition est frappante. Il est fascinant de voir à quel point mon art a évolué en seulement quelques années. Mes études m’ont aidée à améliorer la qualité de mon travail à long terme — comme apprendre à préparer mes propres toiles ou à superposer les couches.

On apprend en faisant et j’ai l’impression d’avoir encore beaucoup à découvrir. Avant 2025, je faisais peut-être trois peintures par an. Depuis, j’ai connu un regain de créativité et je suis bien plus productive. Je suis curieuse de voir où 2026 et les années suivantes me mèneront. Il me reste un long voyage à parcourir et je n’en suis qu’au début.

Votre travail fait référence au dadaïsme et au surréalisme. Où trouvez-vous votre inspiration et quels artistes vous ont guidée dans votre processus ?

Je comprends que mon travail puisse être décrit comme dadaïste ou surréaliste mais je ne m’identifie pas à un mouvement spécifique. Leurs philosophies ne résonnent pas pleinement avec ma démarche. Mes peintures se situent quelque part entre les représentations de rêves, les formes bizarres et les images — plus proches du surréalisme, si je devais choisir.

Il est difficile de citer des artistes précis qui ont influencé mon style. La plupart de mon inspiration vient de Pinterest et de pages Instagram esthétiques — des moodboards et des œuvres anonymes plutôt que des artistes spécifiques. C’est un mélange d’influences que j’ai rencontrées, combiné aux œuvres d’art avec lesquelles j’ai grandi.

J’ai récemment découvert le Transcendental Painting Group (1938–1942). Leurs œuvres célestes et fluides, centrées sur le jeu de lumière, me parlent sur un plan spirituel. La nouvelle génération de peintres transcendantaux pousse cet aspect plus loin en jouant avec les couleurs et en intégrant des paysages suggestifs. Je suis particulièrement inspirée par Zoe McGuire (1996), que je suis sur Instagram depuis des années — même avant de connaître le mouvement.

Interview: Expo Working Group - Photos: Katrien Schuermans