Tussen twee werelden: Sahata’s zoektocht naar verbinding en expressie

Geboren in Gent uit een Ivoriaanse moeder en een West-Vlaamse vader, weerspiegelt Sahata’s werk haar rijke, gemengde achtergrond. In haar schilderijen, die — zoals ze zelf zegt — toevallig aansluiten bij de visie van de Transcendental Painters, verkent ze thema’s als licht, natuur en vrouwelijkheid. Haar kunst is een persoonlijke zoektocht naar diepte, vrijheid en verbinding tussen traditie en eigen expressie. 

Ikzelf ben in Gent geboren en woon in De Pinte. Mijn moeder is in Ivoorkust geboren en opgegroeid, en mijn vader komt uit West-Vlaanderen. Als kind was ik me niet bewust van mijn gemengde achtergrond, totdat andere kinderen me erop wezen. Het gevoel anders te zijn was soms moeilijk. Tegenwoordig zie ik mijn achtergrond als een culturele verrijking die alleen maar positieve aspecten in mijn leven brengt.

Thuis hingen verschillende kunstwerken die mijn moeder uit haar dorp had meegenomen: maskers, schilderijen, batik- en houtsnijwerken. Mijn vader had ook een mooie collectie abstracte en surrealistische schilderijen en werken op papier. Hoewel mijn schilderijen niet direct gebaseerd zijn op Ivoriaanse of Afrikaanse kunst, is de geest ervan diep in mijn werk verweven, gemengd met die abstracte werken van mijn vader. Ik observeerde die werken altijd met fascinatie, vooral hun composities, kleuren en suggestieve figuren. 

Je benadering van landschap als een kwestie van innerlijkheid is opvallend. Denkend hierbij aan je beschrijving van De Verre Horizon. (Het schilderij toont een kamer met wat muurschilderingen, spiegels of portalen lijken te zijn, of misschien wel alle drie.) Je roept direct het verdwijnen van afstand op als een kwestie van verbeelding, door te schrijven: "er is altijd een weg om verder te gaan."

Visualisaties van portalen hebben me altijd gefascineerd, samen met de iconografie van ruimte en spirituele wezens. Het is vooral de mystiek rond het onbekende die me boeit. Wanneer ik die inspiratiebron vertaal naar kunst, komt dat tot uiting in het idee van een dubbele ingang, uitgang of doorgang. Ik stel mezelf de vraag: "Hoe kan ik de blik van de kijker verder laten reiken en dit platte oppervlak diepte geven?"

Net als een portaal wil ik dat de compositie verder gaat dan wat een tweedimensionaal oppervlak normaal gesproken toelaat. Ik gebruik vaak kaders en kleuren om dat resultaat te bereiken. Dit aspect van mijn werk is nog in ontwikkeling, maar komt langzaam naar de oppervlakte. Het is te vinden in De Verre Horizon, maar ook in A Forming Memory en Verheven.

De Verre Horizon is gemaakt in een periode van zowel emotionele als algemene transitie in mijn leven. Er lagen verschillende paden open, en het was moeilijk om te kiezen welke richting het beste was. De verschillende portalen dienen daarom als een herinnering dat er altijd een weg is om verder te gaan. Je hoeft alleen de juiste te vinden. En als die niet was zoals verwacht, zijn er nog veel meer om uit te kiezen. Uiteindelijk bereik je de verre horizon: een vredige, mooie plek waar je thuishoort.

Kun je meer vertellen over de relatie tussen beeld en verbeelding in je werk?

De meeste werken komen voort uit verbeelding. Zelfs als ze gebaseerd zijn op de realiteit, probeer ik ze altijd te reduceren tot vormen, kleuren of een suggestie van die realiteit. Ik vind het interessant om naar een schilderij te kijken voordat je het begrijpt. Dat "Aha!"-moment – "Dus dáár gaat het over!" – is wat ik zo waardeer in moderne kunst. Het is ook stimulerend om andere interpretaties te horen over mijn eigen werken die ik zelf nooit zou bedenken.

Vaak zijn mijn schilderijen gebaseerd op schetsen die zelden met een plan worden gemaakt. Ik begin met een paar lijnen, een vorm of een kleur, en laat het beeld spontaan ontstaan. Meestal zijn het organische vormen of vage interpretaties van mijn dromen. Ze zijn heel spontaan, en ik probeer datzelfde gevoel in mijn schilderijen vast te leggen. Zoals Frank Zappa zei: “De imaginaire gitaarnoten en imaginaire vocalen bestaan alleen in de verbeelding van de bedenker” (uit het nummer Watermelon on Easter Hay). Op een bepaalde manier kun je de kleuren in een schilderij zien als gitaarnoten en de penseelstreken als vocalen, geschilderd door de verbeelding. Het is een manier om mijn innerlijke wereld op het doek te brengen. Je zou kunnen zeggen dat de werkelijkheid datgene is wat waarneembaar is, en dat ik door mijn innerlijke werkelijkheid te schilderen, deze manifesteer. Dat geeft het eindresultaat ook een spirituele dimensie.

Jouw werken Happy Birthday en There She Comes, The Comet personifiëren hemellichamen als vrouwelijk. Hoe past dit in je kosmologie als kunstenaar?

We zeggen moeder aarde, moeder natuur, we zien de maan als vrouwelijk, en de cyclus van het leven vindt zijn oorsprong in de schoot van zwangere vrouwen. Daarom zie ik deze aspecten van onze wereld en kosmos als onlosmakelijk verbonden met het vrouwelijke. Ik vier vrouwen in al hun vormen van vrouwelijkheid. In mijn schilderijen beeld ik ze graag af in de natuur, in hun essentie. Bijvoorbeeld de vrouwelijke vormen in Happy Birthday, of de billen in Cheeky Valley en Cheeky Desert Sun, die een landschap voorstellen. Ze fungeren als een portaal dat de kijker meeneemt in de levendigheid van het vrouwelijke.

Ik ben gefascineerd door de ruimte. Voordat ik Kunst en Archeologie ging studeren, overwoog ik astrofysica. Sterren, kometen, zonnen en zelfs zwarte gaten zijn zo mooi. Je zou ze kunnen zien als onderdeel van het goddelijke vrouwelijke. Een eenvoudiger antwoord is dat ik als vrouw de neiging heb om vanuit mijn eigen perspectief te schilderen en mezelf in mijn werken te weerspiegelen, vandaar dat ze vaak een vrouwelijke uitstraling hebben.

Denkend aan She, the Comet, wat voor rol speelt luminositeit in je werk?

Licht en luminositeit zijn essentiële onderdelen van mijn werk. Zelfs in het dagelijks leven ben ik vaak gefascineerd door schaduwen, zonnereflecties of interessant lichtspel. Ik zoek altijd naar een manier om mijn schilderijen te verlevendigen; ze voelen pas compleet als er een lichtbron in de compositie is verwerkt. Ik wil dat mijn schilderijen warm en stralend zijn.

Wat bepaalt de relatie tussen figuren en landschap in je werk?

Als ik omringd ben door natuur, voel ik me thuis, compleet en levend. In België, vooral in Vlaanderen, is dat niet altijd voorhanden. Ik creëer de dingen waarnaar ik verlang, vandaar dat de natuur een centrale plaats inneemt in mijn visuele taal. Het combineren van denkvormen en figuren met landschappen en licht maakt het zo veel interessanter om naar te kijken. Er zijn eindeloos veel mogelijkheden om landschappen met organische vormen te verkennen, en ik wil er zoveel mogelijk ontdekken.

In het werk I Can’t Contain Myself, lijkt de centrale vorm die uit zijn begrenzende compositie wilt breken, de rol over te nemen van de herkenbaardere figuren in je werken zoals The Way of Light en Souls Colliding.

Die twee werken hebben niet noodzakelijk iets gemeen met I Can’t Contain Myself. Ik tekende vaak deze stijlvolle figuren, die mezelf en de mensen om me heen vertegenwoordigen. Slechts een paar van die schetsen zijn uiteindelijk op doek beland. Ze vertellen verhalen over momenten of gebeurtenissen uit mijn leven, vooral uit begin 2025. I Can’t Contain Myself daartegenover gaat over een gevoel dat altijd in mij aanwezig is, als een broeiende aanwezigheid. Het is meer een gemoedstoestand dan een gebeurtenis.

Kun je meer vertellen over dit werk? Gaat het chronologisch vooraf aan het meer figuratieve paar?

In mijn vroegere werken tekende en schilderde ik vaak vormen die door een kader werden begrensd. Misschien was het onbewust een manier om me aan te passen aan een bepaald verhaal. Met de tijd realiseerde ik me dat ik mezelf niet kan inperken – letterlijk. Een kader kan een compositie niet vasthouden, net zomin als het een persoon kan beperken. Daarom is er deze dynamische vorm die door een barrière breekt: een symbool voor bevrijding en het zoeken naar jezelf, voorbij de beperkingen die je worden opgelegd.

I Can’t Contain Myself was het eerste schilderij van 2026. Zoals ik eerder zei, zien mijn schilderijen als een vorm van manifestatie. Hier is het een poging om niet langer ingesloten te zijn. Nieuw jaar, nieuwe ik?

Je maakt ook sieraden en schrijft. Kun je vertellen hoe deze praktijken je schilderijen beïnvloeden, of vice versa?

Ik kan niet zeggen dat sieraden een directe impact hebben op mijn kunst of schrijven. Het is iets wat me ontspant en kalmeert als ik in mijn ‘creatieve modus’ ben. Bijvoorbeeld, ik maak mijn eigen bayas (heupkettingen), wat een spirituele betekenis heeft die ook in mijn kunst terugkomt, maar vanuit een ander perspectief.

Wat schrijven betreft, is het een ander verhaal. Als kind maakte ik veel stripverhalen, die geleidelijk evolueerden naar meer tekstgebaseerde verhalen. Momenteel ben ik bezig met het schrijven van een boek dat ik ook wil illustreren. Er is dus een sterke symbiose tussen mijn kunst en schrijven. Daarnaast geniet ik van poëzie als uitlaatklep. Voorlopig blijft beeldende kunst mijn belangrijkste kunstvorm. Hier voel ik me het meest op mijn gemak om mijn werk met de wereld te delen.

Je studeert momenteel aan de afdeling Kunstgeschiedenis en Archeologie aan de Vrije Universiteit Brussel. Wat zijn je interessegebieden/specialisaties?

Ja, ik ben nu bezig met mijn master Kunstgeschiedenis en Archeologie. Bijna klaar (joepie)!

Mijn interesse gaat vooral uit naar niet-westerse, moderne en hedendaagse kunst (van de 19e en 20e eeuw tot nu).De overgang van historische naar moderne kunst vind ik fascinerend. Kunstenaars konden zich bevrijden van conventionele tradities en begonnen te creëren vanuit hun ‘gemoderniseerde geest’. Ze maakten persoonlijke ervaringen, abstracte composities en keerden zich af van conventioneel realisme of academisme. Individualiteit in kunst kwam tot leven in die periode, maar was tegelijkertijd een breder fenomeen, een verbonden geest. Deze dualiteit tussen verbinding en persoonlijke onderscheiding maakt het interessant voor mij. Met name in niet-westerse kunst is er een rijke laag van dekoloniale en culturele geschiedenis die bijdraagt aan het begrip van hun praktijk in die periode.

Je noemde ondergerepresenteerde, niet-westerse kunstenaars. Op wie moeten we nu letten, zowel historisch als in het heden?

De afgelopen drie jaar heb ik me verdiept in Aziatische en Afrikaanse kunstbewegingen, kunstenaars en kunstvormen, in relatie tot dekolonialisme en het herwinnen van identiteit door kunst en materialiteit.

Mijn huidige masterscriptie gaat over de Vohou-Vohou-beweging in Ivoorkust. Het is een beweging die gedreven wordt door de behoefte aan een nieuwe Ivoriaanse identiteit in de jaren na de onafhankelijkheid (rond 1970). Lokale materialen (schelpen, pigment, hout, leer, enz.) worden geherwaardeerd en opnieuw gewaardeerd in kunst. Sommige kunstenaars richten zich op abstract collagewerk, terwijl anderen figuratief schilderen en materialiteit combineren. Het is een beweging die hedendaagse Ivoriaanse en andere Afrikaanse kunstenaars inspireert. Enkele pioniers zijn Theodore Koudougnon (1951), bekend om zijn collages, en Youssouf Bath (1949), die traditionele onderwerpen stijlvol afbeeldt met pigmenten en abstracte vormen.

Een andere interessante kunstvorm is Vietnamese Sơn Mài (gelakte schilderkunst), een historische kunstvorm die onder Franse kolonisatie transformeerde van toegepaste kunst naar een schilderkunst. Na de onafhankelijkheid werd het heroverd door Vietnamese kunstenaars als een nationaal erfgoed en evolueerde het tot een diverse materiële kunst die kunstenaars vandaag de dag nog steeds gebruiken. Een hedendaagse Vietnamese kunstenaar waarvan ik het werk bewonder is Trương Tân (1963). Hij is een multidisciplinaire kunstenaar die zijn queer identiteit en ervaringen in zijn werk verwerkt. Phi Phi Oanh (1979) verlegt grenzen, door ondermeer lak op te lossen tot microscopische projecties.

Deze voorbeelden zijn zeker de moeite waard om te onderzoeken. Helaas zijn ze moeilijk online of in bibliotheken te vinden zonder diepgaand onderzoek. Dat toont aan dat er nog een lange weg te gaan is als het gaat om documentatie en onderzoek binnen het veld van niet-westerse kunstgeschiedenis.

Je hebt geen artistieke opleiding gevolgd. Hoe ben je met schilderen begonnen? En hoe zie je jezelf evolueren als kunstenaar? Hoe passen je studies in dit proces?

Toen ik klein was, was ik altijd aan het kleuren, tekenen, krabbelen en kleine creaties aan het maken. Kunst was voor mij geen hobby, maar een leuke manier om de tijd door te komen. Toen ik ongeveer 12 jaar oud was, schreven mijn ouders me in bij de Kade kunstschool in Deinze. Wat ik geweldig vond aan Kade, was dat ze niet met opdrachten werkten. Ze lieten je doen wat je wilde en boden de tools om jezelf te uiten. Het was meer een plek voor creatieve uiting dan een school met vaste lessen. Ik ging daar tot mijn laatste jaar van de middelbare school. Buiten Kade beoefende ik bijna nooit kunst, behalve af en toe een tekening.

Het was tijdens COVID dat ik kunst serieuzer begon te nemen en ik probeerde te schilderen. Het schilderij dat ik beschouw als mijn eerste ‘echte’ werk is Oersprong. Vanaf dat moment begon ik consequent te schilderen met olieverf en leerde ik geleidelijk hoe ik ermee moest werken. Door de jaren heen heb ik geïnvesteerd in hoogwaardige materialen en ontdekte ik welke technieken het beste bij me passen. Als ik Oersprong vergelijk met mijn nieuwste schilderijen, is er een duidelijk verschil in techniek, kwaliteit en afwerking. Het is fascinerend om te zien hoe ver mijn kunst is gekomen in slechts een paar jaar. Zoals ik eerder zei, helpen mijn studies me om de kwaliteit van mijn werk op lange termijn te verbeteren. Denk aan het leren van technieken zoals het gronderen van mijn ondergrond, het gebruik van een ondertekening en het aanbrengen van lagen.

Men leert door te doen, en ik heb het gevoel dat ik nog lang niet alles weet. Voorheen maakte ik misschien drie schilderijen per jaar. Sinds 2025 heb ik een creatieve boost gehad en ben ik zeer productief. Ik heb vorig jaar veel geleerd en ben benieuwd wat 2026 en de daaropvolgende jaren zullen brengen. Er ligt nog een lange, spannende reis voor me, en ik sta nog maar aan het begin.

Je werk verwijst naar dadaïsme en surrealisme? Waar haal je je inspiratie vandaan en welke kunstenaars hebben je in je proces begeleid?

Ik snap hoe mijn werk als dadaïstisch of surrealistisch omschreven kan worden, maar ik identificeer mezelf niet met een specifieke beweging. Vooral omdat de filosofie achter deze stromingen niet overeenkomt met de mijne als het om kunst gaat. Mijn schilderijen bevinden zich ergens tussen het afbeelden van dromen, bizarre vormen en beelden, vergelijkbaar met het surrealisme.

Het is moeilijk om specifieke kunstenaars te noemen die mijn stijl hebben beïnvloed. Ik haal mijn inspiratie vooral van Pinterest en stijlvolle Instagram-pagina’s. Dus mijn inspiratie komt eerder van moodboards en kunstwerken dan van specifieke kunstenaars. Het is een combinatie van verschillende invloeden, bewegingen en visuele inspiratie die ik in mijn leven ben tegengekomen, samen met de kunstwerken waar ik mee ben opgegroeid.

Ik heb onlangs de Transcendental Painting Group (1938–1942) ontdekt. Hun kunstwerken spreken me aan op spiritueel niveau. Hun vloeiende, hemelse werken richten zich op lichtspel, wat ik vaak in mijn eigen werk verwerk. De nieuwe generatie Transcendental Painters tilt dit aspect naar een hoger niveau, door te spelen met kleur en suggestieve landschappen. Vooral Zoe McGuire (1996) is een kunstenaar naar wie ik opkijk.

Interview: Expo Working Group - Foto's: Katrien Schuermans